原標題：評展｜身高1.53米的安格爾，何以又那么高大
“澎湃新聞·藝術評論”（www.thepaper.cn）評展欄目，以親身的觀展體驗和獨立的視角，評點近期展覽。浙江美術館的“安格爾的巨匠之路”展通過70件來自安格爾故鄉法國蒙托邦安格爾博物館的展品，讓觀眾通向一個完整的“藝術家的內心”；英國泰特利物浦的“席勒&伍德曼”展則在視覺上及作品背后的關聯上稍顯欠缺。本欄目歡迎投稿，投稿郵箱：dfzbyspl@126.com，郵件標題請注明“評展”。
安格爾的巨匠之路——來自大師故鄉蒙托邦博物館的收藏
地點：浙江美術館（杭州）
展期：2018年6月2日-7月21日
票價：免費
點評：70件來自安格爾故鄉法國蒙托邦安格爾博物館的展品，通向一個完整的“藝術家的內心”，在此與畫家的思想相遇。觀后意猶未盡、尚不解渴。但展覽“巨匠之路”何嘗不是一條啟程之路？未來，有幸站在盧浮宮和其他博物館的安格爾名作前時，會更讀懂他畫中包含的古希臘之光、拉斐爾之美和音樂之靈。
評星：三星半
1米53，當法國蒙托邦安格爾博物館館長弗洛朗斯?維基耶?杜泰伊女士在講座上說出大畫家安格爾的身高時，聽眾席里發出一陣輕輕的“啊”。
除了畫布上渾厚的身材和持重的形象，鮮有人留意到畫家的“小個子”。不過，這位小個子卻是上承古希臘藝術精神、拉斐爾畫風、大衛筆法，下啟德加、雷諾阿、畢加索，間接影響過徐悲鴻，對19世紀歐洲藝術流派振興和中國油畫發展都產生過影響的大畫家。
6月，安格爾在中國第一次成系統的、全方位的展示“安格爾的巨匠之路——來自大師故鄉蒙托邦博物館的收藏”特展來到浙江美術館（杭州）。來自畫家家鄉法國蒙托邦安格爾博物館的70件展品，從博物館現藏的4500幅素描、20多幅油畫、50套版畫、古代藝術藏品、藏書、家具、小提琴、老照片以及學生們的臨摹畫和各種草稿藏品中被甄選出，漂洋過海，來到中國。
盡管，脫離了安格爾博物館——小安格爾曾在里頭演奏過小提琴、充滿童年回憶的原蒙托邦主教宮——更有氛圍的展示，但對于只知其一二名作的中國觀眾，這是距離19世紀新古典主義代表畫家最近的一次感受。
展覽首日，和“永恒的美”一起光臨杭州的還有夏季不多見的溫和并略顯清涼的天氣。一星半點的小雨，打在西湖水上，也搖動著湖畔美術館里參觀者的心旌。
展覽選取了三個視角，安格爾看自己、安格爾看世界、世界看安格爾，呈現“巨匠之路”。展品包含了安格爾的素描、肖像油畫、他熱愛的古希臘藝術收藏、陪伴一生的小提琴，以及他臨摹“男神”拉斐爾的作品、學生臨摹安格爾的作品等。
進入展廳，筆者徑直來到一幅臨摹作品《大宮女》前（原作先藏于巴黎盧浮宮），詳看，裸女的足底、持扇之手、孔雀毛扇、靠枕等的細節，和原作依然有較為明顯的區別，另幾幅肖像臨摹品也沒有全然展現原作的精神。再看安格爾真跡素描、油畫，或是臨摹拉斐爾和古希臘藝術、或是創作于早年，再或是由于展館里拉起一米線導致看不真切已然很淡的素描，線旁報警器的“嗚啦”聲也時不時響起。
展覽的海報圖是安格爾的《藝術家父親的肖像》，展覽中還有安格爾老師雅克-路易·大衛畫的《青年男子肖像》。杜泰伊館長坦承，“安格爾博物館的確鮮有畫家賴以成名的肖像畫”。或許此展并不能讓愛好者們全然解了藝術之渴，但正如展覽名稱“巨匠之路”，這場展覽通向的是更為完整的“藝術家的內心”，在此與畫家的思想相遇。這，何嘗不是一條啟程之路？未來，有幸站在盧浮宮和其他博物館的安格爾名作前時，會更讀懂他畫中包含的古希臘之光、拉斐爾之美和音樂之靈。（文／陸斯嘉）
運動中的生活：埃貢·席勒與弗朗西斯卡·伍德曼
展期：2018年5月24日－9月23日
地點：泰特利物浦美術館
點評：席勒與伍德曼都以其親密和毫不掩飾的人物肖像作品而聞名，而其作品的表面下都蘊涵著各自的主題和情緒。但在藝術評論家喬納森·瓊斯看來，展覽將兩人作品并置呈現，無論在視覺上還是作品背后的關聯上都顯得不那么明智。
評星：三星
埃貢·席勒（1890-1918）的繪畫是原始的、直接的，他具有獨特的風格，用快速的標記和鋒利的線條來描繪他的模特的能量。 攝影師弗朗西斯卡·伍德曼則用長時間曝光拍攝模糊的圖像，捕捉延長的時間。 她的照片可能是超現實的，幽默的，有時是痛苦的誠實。
這兩位藝術家都以其親密和毫不掩飾的人物肖像作品而聞名，而在其作品的表面下則蘊涵著他們各自的主題和情緒。此次泰特利物浦將兩位藝術家的作品并置在一起展出。
策展人試圖以這兩位杰出藝術家之間的作品并置作為出發點，呈現出強烈的視覺效果和提供全新的視角。
但在藝術評論家喬納森·瓊斯看來，與伍德曼的題材相關的顯然是攝影。我們可以看到她的作品與19世紀的攝影師Julia Margaret Cameron的共同點——鬧鬼藝術，或者將其作品與維多利亞時代的攝影師并置在一起，也會讓人著迷。 但是她和席勒似乎沒什么共鳴。
此外，雖然展覽策劃的思路在紙面上看是個很不錯的主意，但快速的視覺測試則顯示了策展人所犯的錯誤。伍德曼的大部分照片都是小版畫 ，或者說尺寸基本上家庭相冊般大小。而把這些難以捉摸的單色圖像放在席勒那大膽的，色彩斑斕的水彩畫旁邊，則是對其展出的作品帶來了災難性的破壞。同時觀眾的注意力也會因此分散。
當然，他們兩者的確是有共同點的，例如英年早逝。1981年，伍德曼在22歲的時候自殺身亡，卻留下了生動的藝術生活。 她在十幾歲的時候開始拍攝富有詩意的、夢幻般的照片，在七十年代末進入羅德島設計學院時，就已經是一位原創藝術家。 展廳中的一張攝影照片里，她模糊了她的身體，在一個廢棄房屋里，同時伴隨著她的還有一件老式的衣服，使其像維多利亞時代的鬼魂。（編譯／陸林漢）
萬物有靈
地點：杜夢堂&西云樓
展期: 2018年5月25日-8月24日（杜夢堂部分的展覽持續至7月28日）
點評：從兩萬年前拉斯科洞窟壁畫重現的史前人類狩獵場景，到上世紀夏加爾繪畫中被賦予人類情感的夢境般動物形象，動物在藝術史上一直占據著一席之地。從本能到精神，動物是人類生活的一面鏡子，呼應著人類社會的種種主題，發展至今，“動物藝術”的主題呈現了多元化。近日，杜夢堂畫廊舉辦雕塑藝術家丹尼爾?達維歐(Daniel Daviau)的中國首次大型回顧展“萬物有靈”，展示動物的靈性和脆弱。
評星：三星半
丹尼爾·達維歐出生于法國歷史名鎮薩拉的一個農場，兒時的他身邊圍繞著各種動物，同動物的親密關系教會他尊重自然，也成就了他日后的創作。作品《紅狐貍》的形象就來自他的童年回憶，狐貍腳下的平臺上特別雕刻了葉片的形狀，那正呼應了他曾在森林里遇到這只狐貍的場景。此外，野豬、貓頭鷹等雕塑也都來自他的農場生活。
除了這些來自生活的作品，達維歐所創作的動物形象大多是瀕危動物，過去不曾出現在其他藝術家的創作中。對于這些不常見的動物，他通過看書、網絡搜索進行研究，然后去非洲旅行，并且觀看紀錄片，尋找并觀察那些特別有趣的姿勢或表情。達維歐從不選擇動物園里的動物作為創作對象，因為他更想還原它們生活的自然場景。
《狐猴》表現了人對于動物生存環境的破壞。在這件作品中，狐猴一腳抬起，一腳踩地，雙臂則緊緊抓住樹枝。在過去，狐猴一直在樹上生活，近年的大規模開發破壞了它們的棲居，導致它們不得不來到地面。《小犀牛》刻畫了犀牛在竹板上的形象，過去，很多來自非洲的犀牛被關在箱子里，出口到世界各地，藝術家刻意強化了這一場景，希望人們記得這樣的歷史。《小鵜鶘》刻畫了鵜鶘振翅瞬間的動作。鵜鶘是幫助漁夫捕魚的鳥類，這件作品的尺寸比一般的鵜鶘要大，藝術家希望以此讓人們關注這些雖不起眼、卻給人帶來很多幫助的動物。
從展覽上可以看出，達維歐的風格并非是自然主義的，相比細節，他的創作注重整體與線條，強調對于動物神態的捕捉，表現動物內在的美。
和青銅雕塑往往顯示出的莊重感不同，達維歐的動物雕塑看起來活潑而溫暖，這與他的“銹色”工藝密不可分：把鑄造好的青銅加熱至200攝氏度，蘸取含銅、鐵、酸的化學物質，在高溫下進行化學反應，使表面自然地產生花紋。隨著時間的流失，顏色會變得更美、更自然。達維歐對銅雕表面工藝的處理技術也豐富了他的創作語言。2000年，達維歐被授予了動物雕塑領域的最高獎項“愛德華-馬塞爾·桑度斯獎”(Edourd-Marcel Sandoz Prize)。
達維歐從歷史上不同的動物藝術中吸取靈感，17世紀壁毯和20世紀雕塑家的作品都曾給他啟發。作品《水牛》則與法國拉斯科史前洞窟壁畫有關。據他自己描述，這頭“水牛”與壁畫中牛的形象有相似之處，而另一方面，作品也表達了關于美洲征服的主題。